이 글은 Range of Sounds 사이트에 게시된 <How to Mix Choir Vocals> 를 번역한 글입니다.
본문 링크 : https://rangeofsounds.com/blog/how-to-mix-choir-vocals/
How to Mix Choir Vocals - (Everything You Need To Consider)
Read on for a great guide to learn how to mix backup vocals and harmonies into songs of any genre, as well as a capella or large choir groups.
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개인적인 의견이나 생각을 본문 중간중간 빨간색 글씨로 적어두었습니다!
합창 보컬을 어떻게 믹싱할지 궁금해하는 이유는 여러 가지가 있습니다. 아마 당신은 단순한 멜로디-하모니를 넘어선 보헤미안 랩소디 스타일의 찬송이나(Bohemian Rhapsody-style chants) 부드러운 비치 보이즈 수준의 편곡에(Beach Boys-level arrangements) 백그라운드 보컬을 믹싱하는 작업을 하고 있을 수 있습니다. 혹은 대규모의 합창단, 작은 규모의 남성 콰르텟, 또는 아카펠라 그룹을 녹음했고, 이 녹음을 발매용으로 제작하고 싶을 수 있습니다. 아니면 교회의 합창단 공연을 나머지 교회 회원들과 공유하고 싶을 수도 있습니다.
또는 당신은 단순히 프로듀서나 엔지니어로서의 능력을 확장하고 싶을 수도 있습니다.
(저는 최근 제작하고 있는 오디오 드라마에 학생들의 합창 씬이 있어, 녹음 및 믹싱에 대한 자료를 모으던 중이었습니다...)
음악에서 보컬이 중요한 부분임에는 틀림없습니다. 사실, 저는 거의 모든 상황에서 보컬이 가장 중요한 요소라고 개인적으로 주장하고 싶습니다. 일반인들은 음악의 어떤 다른 부분보다 보컬이 제일 와닿고 공감됩니다. 보컬은 단어와 시적인 가사, 음정과 음색 등 여러가지 요소로 의미를 전달합니다.
그래서 목소리만으로도 놀라운 음악을 만들 수 있는 것은 무척이나 자연스러운 일입니다. 음악에 백그라운드 보컬의 레이어를 추가하면, 비교하기 힘든 수준의 생동감과 풍부함을 더할 수 있습니다.
최근에 퀸(Queen)의 "Somebody To Love"를 들었습니다. 그 곡의 복잡하고 다층적인 편곡에 항상 감동받았습니다. 그러나 곡의 대부분이 피아노, 베이스, 드럼, 약간의 기타 멜로디로 이루어져있다는 것을 깨달았습니다. 악기들은 주로 기본 박자와(pulse) 기초적인 부분만 나오고 있었습니다. 실제 음악적으로 들리는 대부분은 감성적인 리드 보컬과 복잡한 하모니의 상호 작용에서 나옵니다.
Queen - Somebody To Love 뮤직비디오
그렇다면 녹음된 음질을 최대한 유지하면서 합창이나 코러스 보컬을 어떻게 믹싱할 수 있을까요?
보컬이 두 개의 고품질 오버헤드 마이크로 녹음되었다면 "최대한 건드리지 않는 것이 최선이다(less is more)"는 접근 방식이 일반적으로 최선이며, 레퍼런스 녹음과 비슷하게 만들려고 할 것입니다. 그 이후에는 스테레오 이미징, 게인 스테이징, 컴프레션, 리버브를 사용하여 합창 믹스를 향상시킵니다.
아래에서는 각각의 이러한 측면들에 대해 좀 더 자세히 살펴볼 것입니다.
전체 합창 공연 믹싱하기(How to Mix A Full Choir Performance)
규모가 큰 합창 믹스를 작업 중이신가요? 그것이 좋은 연주 공간에서 하나 또는 두 개의 오버헤드 마이크로 녹음되었나요?
이런 경우에는 '최대한 건드리지 않는 것이 최선이다(less is more)'는 접근 방식을 취하는 것이 좋습니다. 중대형 합창단은 소리가 마이크에 도달하기 전에 많은 "믹싱" 작업을 수행합니다. 노래를 부르는 사람들은 서로의 소리를 듣고, 그들의 톤을 혼합하며, 그에 따라 다이내믹을 조절합니다. 또한 그들이 부르고 있는 공간은 아마도 공간 자체의 리버브가 있을 것입니다.
(클래식한 장르의 대부분의 음악은 다이내믹 표현, 톤 조절, 속도 조절 등 믹싱의 기본이 되는 모든 작업을 연주 중에 수행하기 때문에 믹싱 작업 시 만질게 별로 없고, 대신 녹음 과정에서 소리를 아주 잘 받는 것이 중요한 것 같습니다)
여기에 리버브를 추가하여 원래의 소리와 경쟁할 필요는 없습니다. 근본적으로, 마스터링만 해야 하는 이미 믹싱된 녹음이라고 생각하세요. 귀에 좋게 들리는 모든 합창 녹음을 참고해보세요. 최소한의 컴프레션을 적용하고, 필요한 경우 전체 소리를 듣기 좋게 하거나 밝게 하기 위해 EQ나 다이내믹 EQ를 사용합니다.
전반적으로, 최소한의 작업으로 레퍼런스 녹음의 소리를 일치시키려고 노력하십시오. 결국, 합창 공연의 초점은 보컬에 있으므로 프로듀서로서의 당신의 업무는 이미 훌륭한 소리를 강조하는 것에 불과합니다.
룸 마이크 믹싱하기(Mixing Room Mics)
여러 마이크 소스(예: 오버헤드와 룸 마이크)를 가지고 있다면 위에서 말한 내용을 토대로 오버헤드 트랙이 좋게 들리도록 시작하세요.
룸 마이크로 녹음된 소리를 추가하되, 일반적인 리버브를 추가하는 것처럼 처리하세요. 만약 이 소리가 쉽게 눈에 띄면, 아마도 양이 너무 많은 것입니다.
소리가 눈에 띄진 않지만, 소리가 없으면 티가 나는 정도로 해야합니다. 일반적인 리버브와 마찬가지로 녹음이 특정 부분에서 먹먹하다면 로우 주파수와 미드-로우 주파수를 줄이고 싶을 수 있습니다. 룸 마이크 트랙을 약간 컴프레싱하려고 할 수도 있습니다.
하지만 '최대한 건드리지 않는 것이 최선이다(less is more)'는 접근 방식을 유지하세요. 많은 클래식 녹음들은 거의 처리되지 않고, 연주자의 다이내믹과 톤, 그리고 녹음 공간의 자연스러운 음향에 의존합니다.
핸드헬드 마이크 믹싱하기(Mixing Handheld Mics)
솔로 가수들이 핸드헬드 마이크를 사용하고 있다면 어떻게 해야 할까요? 메인 트랙과 함께 해당 트랙을 믹싱하는 접근 방식은 스타일에 따라 다를 수 있습니다. 접근 방식이 클래식하다면 믹싱도 일관되게 이루어져야 합니다.
첫째, 특정 부분의 노래가 전반적으로 눈에 띄게 작거나 크면 볼륨 오토메이션으로 조절해 보세요 - 이렇게 하면 왜곡 없이 믹스의 전반적인 볼륨을 향상시킬 수 있습니다. 약간의 컴프레션을 추가해 보세요, 그러나 일반적인 보컬에 사용하는 것보다는 덜하게요. 하지만 더 클래식한 음악에서는 가수가 이미 많은 감정 표현과 볼륨 제어를 하기 때문에 다시 한 번... '최대한 건드리지 않는 것이 최선이다(less is more)'는 원칙을 따르세요.
스타일이 팝, 가스펠, 또는 일반적인 현대음악이라면? 다른 음악 장르의 보컬과 유사한 접근 방식으로 솔로 보컬리스트를 믹싱하고 싶을 수 있습니다. 볼륨 오토메이션, 강한 컴프레싱, 또는 디에서를 사용하는 경우가 있을 수 있습니다... 그것은 가수와 믹싱 방향에 따라 다르기 때문에 일반화하기가 어렵습니다. 그러나 중요한 고려 사항은 가수가 여전히 합창의 나머지 부분과 같은 "공간"에 있다는 것입니다. 보컬은 다른 장르보다 합창의 나머지 부분에 비해 너무 튀어나오면 안됩니다.(Should be less "in-front" or "in-your-face")
작은 아카펠라 그룹이나 남성 콰르텟을 믹싱하는 것은 더 복잡할 수 있습니다... 나중에 그 주제로 돌아오겠습니다.
노래 속 합창 부분 믹싱하기(How to Mix A Choir Section Into A Song)
이제 아주 다른 도전을 해보겠습니다 - 노래에 두툼한 백킹 보컬 하모니를 추가하여 합창 효과를 낼 것입니다. Beach Boys의 멋진 하모니를 생각해 보세요. Queen은 그들의 극적인 백킹 보컬로 잘 알려져 있습니다. 좀 더 현대적인 예로, Fun은 그들의 히트곡 "Some Nights"에서 강력한 백업 보컬을 사용하였고, 여기서 제가 얘기하는 것을 들을 수 있습니다:
이 부분에서는 전통적인 녹음 스튜디오 또는 홈 스튜디오에서 녹음하고 있으며, 한 번에 하나씩 근접 마이크로 보컬 트랙을 녹음한다고 가정하겠습니다. 우연히도, 에코를 관리할 수 있는 집에서 보컬을 녹음하기 위한 훌륭한 공간을 만드는 것이 얼마나 쉬운지 놀랄 수 있습니다. 보컬은 녹음하는 데 시간이 많이 걸리고 많은 주의를 요하는 작업이기 때문에, 이는 훌륭한 선택입니다.
(녹음 스튜디오를 빌리고, 녹음을 진행하고 믹싱하는 과정이 굉장히 번거롭기 때문에, 울림이 어느정도 잡혀 있는 환경의 집에서 홈 레코딩을 하는 것이 훨씬 효과적일 수 있다는 의미인 것 같습니다.)
이 상황에서 합창 보컬을 믹싱하는 방법은 많습니다. Beach Boys와 Queen을 다시 한 번 사용하여 트래킹에 대한 몇 가지 접근법을 제안하겠습니다. Beach Boys는 다섯 명의 보컬리스트가 있었고, 각각이 밴드 내에서 자신의 전문 분야가 있었습니다. 각 멤버는 자신의 부분만 녹음했지만(베이스, 바리톤, 테너, 팔세토) 소리를 "두툼하게" 하기 위해 같은 부분을 여러 번 레이어로 녹음했습니다.
반면 Queen은 네 명의 보컬리스트가 있었지만 다른 접근법을 취했습니다. 하모니에 세 부분이 있으면, 보컬리스트들은 모두 낮은 하모니를 부르고, 모두 중간을 부르고, 모두 높은 것을 부릅니다. 이것이 그들의 하모니가 독특한 특징적인 소리를 가지고 있었던 이유입니다.
솔로로 합창 부분 트래킹하기(Tracking Choir Vocals Solo)
개인적으로 저는 종종 제 노래나 클라이언트를 위한 노래에 합창 부분을 녹음합니다. 혼자서 그렇게 하기 때문에, 각 부분을 여러 번 부르고 그것들을 함께 레이어링합니다. 때로는 각 부분을 두세 번 부르고, 때로는 다섯이나 여섯 번까지도 부릅니다.
만약 나 자신이 리드 보컬도 부르고 있다면, 리드와 하모니 부분 사이에서 자신의 보컬 톤을 다양하게 하여 결과적으로 녹음된 노래가 같은 사람이 열두 명인 것처럼 들리지 않게 합니다. Billy Joel의 "For The Longest Time"을 들어보세요. 그 아카펠라 스타일의 녹음에서 모든 단일 보컬 부분은 Joel 자신이지만, 다양한 그룹의 가수들처럼 들립니다. 노래를 부르는 테크닉이 큰 역할을 합니다.
Billy Joel - For The Longest Time 뮤직비디오
스테레오 이미지(Stereo Image)
테이크가 모두 녹음되면 거의 항상 패닝을 사용하여 사운드 스테이지를 확장하는 것이 좋습니다.
만약 같은 부분에 대한 다섯 번의 테이크를 가지고 있다면, 저는 종종 두 테이크를 왼쪽과 오른쪽에 하드 패닝하고, 다른 두 테이크를 약 33%씩 왼쪽과 오른쪽에 패닝하고, 마지막 것은 중앙에 둡니다. 이 패닝은 보컬에 놀라운 크기와 생명감을 추가합니다!
유용한 참고: 트랙을 어느 방향으로 약 30% 패닝하면 중앙과 하드 패닝 사이의 "중간"으로 패닝되는 것으로 인식됩니다.
만약 제가 방금 쓴 것이 이해되지 않는다면, 스테레오 이미징 개념에 대한 훌륭한 개요를 제공하는 이 비디오를 확인하는 것을 권장합니다:
게인 스테이징(Gain-Staging)
백업 보컬을 놀랍게도 크게 하는 것을 두려워하지 마세요. 내가 언급한 모든 예제에서 - Beach Boys, Queen, 그리고 Fun에서 백업 보컬은 리드보다 거의 크게 들리며 믹스에서 그들 바로 뒤에, 다른 악기들 앞에 있습니다.
(리드 보컬이 맨 앞에 있다면, 그 바로 뒤에 백업 보컬이 있고, 그 뒤에 다른 악기들이 있는 것처럼 들리도록 믹싱이 되어있다는 말입니다.)
이 경우, 백업 보컬이 없을 때 노래의 전체 볼륨이 떨어질 것이라는 것을 기억하세요. 그래서 백업 보컬이 없을 때 믹스에서 다른 악기들의 볼륨을 올려야 할지 고려하세요.
그러나 게인은 볼륨만이 아닙니다. 이 비디오는 합창 또는 합창 보컬(특히 교회에서)과 함께 사용하는 방법에 대해 어떻게 설명하는지 아주 잘 설명해줍니다:
타이밍(Timing)
대부분의 DAW에는 플렉스 편집 기능이 있으나 "플렉스 마커" 또는 "스트레치 마커"와 같은 다른 이름으로 불릴 수 있습니다. "Some Nights"와 같이 합창 부분이 정말로 "펀치"를 내기를 원한다면, 이 매우 강력한 기능을 사용하여 모든 테이크를 편집하여 음절과 발음이 완벽하게 일치하도록 할 수 있습니다. 이것은 큰 차이를 만들 수 있습니다!
(펀치를 낸다는 것은, 모든 트랙이 같은 타이밍에 동시에 나왔을 때 소리가 모아져서 강하게 나오는 것을 의미합니다.)
하지만 더 느슨하고, "군중" 또는 "무리" 스타일의 보컬을 찾고 있다면, 타이밍을 거칠게 두는 것이 좋습니다.
(타이밍이 너무 딱딱 맞으면 오히려 단체로 합창하는 느낌이 사라지고, 정제된 음원같은 느낌이 더 부각될 것입니다.)
트래킹이 완료되면 다른 트랙과 마찬가지로 압축, EQ, 리버브를 사용하려고 할 것입니다. 그러나 백업 보컬은 독특하기 때문에, 기억해야 할 독특한 접근법이 있습니다.
컴프레션(Compression)
트랙을 개별적으로 컴프레싱하거나, 버스로 함께 컴프레싱하거나, 또는 그 조합을 선택할 수 있습니다. 트랙을 개별적으로 컴프레싱하면 더 풍성하고 다층적인 사운드가 됩니다. 트랙에서 나오는 모든 소리가 더 잘 들리고, 그 부분이 확실히 크고 두껍게 들릴 것입니다. 제가 참조한 예제들 (Beach Boys, Queen, Fun.)은 확실히 모두 개별적으로 컴프레싱되었습니다.
트랙을 버스로 컴프레싱하면 교회 보컬에 적합한 더 유기적이고 자연스러운 사운드가 나옵니다. 이는 Lumineers나 Mumford & Sons 녹음에서 가끔 들릴 수 있는 백업 보컬 샤우트 섹션과 같은 포크 장르나 어쿠스틱한 설정에서 좋을 수 있습니다. 여기서의 접근법은 맥락과 의도된 효과에 따라 다를 것이므로, 원하는 사운드를 얻기 위해 다양한 시도를 해보세요.
EQ
EQ 적용 시 일반적으로 컴프레싱 후 전체 버스를 함께 EQ 하는 것이 적절합니다. 저는 대개 하이 및 로우 주파수를 줄입니다. 800 Hz 이하의 모든 것을 낮추면 근접 효과를 없애고, 리드 보컬리스트의 "앞"을 경쟁하는 것이 아니라 여전히 리드 보컬리스트 뒤에 있다는 느낌을 줍니다. 최고 주파수, 예를 들면 10k-20k Hz를 잘라내면 가수의 음절 발음이 리드 보컬리스트와 경쟁하지 않게 됩니다.
맥락에 따라, 합창 부분의 "존재감"을 맞추기 위해 1000-2500 Hz 범위를 실험하고, 노래에서 연주하는 다른 악기와 잘 어울리게 하기 위해 2500-5000 Hz 범위를 실험해 보십시오.
이것에 대한 이야기로, 나는 최근 "Somebody To Love"를 듣다가 다른 것을 알아챘습니다.
가장 처음에, 프레디가 "Can..."을 부른 후, 나머지 밴드는 "...Anybody find me somebody to love"를 부릅니다. 그들이 이렇게 부를 때, 피아노도 연주하지만, 피아노의 명료함이 크게 낮춰져서 기본 주파수만이 들립니다.
이 섹션 바로 다음에, 피아노는 솔로 도입부를 연주하지만, EQ가 드라마틱하게 변하여 훨씬 더 빛나고 존재감이 있습니다. 이 예는 이러한 노래에 합창 부분을 믹싱할 때 고려할 수 있는 종류의 것들을 보여줍니다. 다른 시간에 다른 악기를 강조하기 위해 EQ 오토메이션에 대한 극적인 변화를 두려워하지 마십시오!
리버브(Reverb)
Reverb는 배경 보컬에 따라 다양한 방식으로 사용될 수 있습니다. 좋은 기본 설정은 전체 백업 보컬 버스에 리버브를 넣는 것입니다. 합창단이 교회에서 공연한다면 자연스러운 리버브가 많이 있을 수 있지만, 그렇다고 리버브가 관리되지 않아야 할 것이라는 의미는 아닙니다. 이 비디오는 리버브가 당신의 합창 보컬을 성공시키거나 실패시키는 방법을 잘 설명해줍니다:
Reverb Techniques for Church Sound
리드 보컬과 유사한 설정을 사용하지만, 백업 보컬이 공간에서 리드 뒤에 있는 것처럼 느끼게 하기 위해 "Wet"이 더 있어야 합니다.
(리버브의 양을 보통 Dry - Wet 으로 표현하는데, 이것을 번역할만한 적절한 단어가 떠오르질 않네요... ㅜ)
그러나 다시 말해서, 당신의 예술적 의도에 어울리는지 확인하기 위해 실험을 해 보십시오. 리버브에 묻혀 있는 훌륭한 합창단 보컬이나 완전히 Dry한 보컬을 들어본 적이 있습니다.
또 다른 경험 규칙: "oohs"와 "aahs"를 사용하는 백업 부분은 말하는 단어보다는 질감을 위한 것입니다. 그들은 더 Wet한 리버브로 처리할 수 있을 것이며, 실제 단어가 노래되는 백업 부분은 더 Dry하게 유지해야 하며, 알아듣기 힘들어질 위험이 있습니다.
규모가 작은 합창 앙상블 믹싱(Mixing Small Choir Ensembles)
마지막으로, 작은 아카펠라 그룹과 바버샵 그룹에 대해 얘기해보겠습니다.
이 섹션을 마지막으로 미룬 이유는 놀랍게도 일반화하기가 꽤 어렵기 때문입니다. 스타일에 따라 전체 합창단을 믹싱하는 방법과 현대 노래의 백업 보컬 섹션을 믹싱하는 방법 사이에서 선택할 수 있습니다 - 단, 다른 악기 없이. 저는 명백히 룸 마이크로 녹음된 아카펠라 녹음을 들어본 적이 있습니다. 여기서 자연 리버브와 가수들의 귀가 최대한 활용되었습니다. 나는 또한 개별 근접 마이크 보컬 공연을 레이어링하여 명백하게 완료된 녹음도 들어 봤습니다.
이 작업을 해야한다면 그룹에게 그들이 좋아하는 소리의 녹음을 보여달라고 요청한 다음, 여기에서 제시한 기술의 조합을 사용하여 원하는 결과를 만들어낼 수 있도록 권장합니다.
그렇습니다!
이 팁들을 통해 여러 다른 상황에서 합창단 보컬을 믹싱하는 방법을 알게 되셨을 것입니다! 그리고 전문 믹싱 서비스를 시도하는 것을 두려워하지 마세요. 이들은 놀랍게도 가격이 저렴할 수 있으며, 여러분의 믹스를 전문가의 것과 비교하고 예시를 통해 배우는 데 있어 훌륭한 방법이 될 수 있습니다. 행복한 프로듀싱을! 계속 노력하고, 음악의 즐거움을 느끼세요!
디테일한 방법을 알려주는 글은 아니지만,
어느 정도 믹싱에 대한 지식이 있고 작업 경험이 있다면, 방향을 잡기 위한 아이디어를 얻는데에는 충분하다는 생각이 들었습니다.
저도 이 글을 읽고 루틴을 만들어 작업을 진행할 수 있었는데요,
이 글에서 가장 중요한 포인트는 "최대한 건드리지 않는 것이 최선이다(less is more)" 라는 접근 방식이 아닐까 싶습니다.
믹싱 작업할 때 좋은 소스는 굳이 만지지 않아도 그 자체로 좋은 소스입니다. 많은 플러그인으로 처리 작업을 해야하는 소스는 녹음 과정에서 뭔가 잘못된 소스이고, 그렇게 처리를 한다고 하더라도 녹음 과정에서 잘 받아진 소스보다 더 좋아질 가능성은 굉장히 적습니다. 결국은 어떤 믹싱이든 녹음 과정에서 녹음을 잘 받는 것이 중요하다... 라는 것을 다시 한 번 깨닫게 되는 것 같습니다 ㅎㅎ
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